"MUSICALMA SABATINA": «LAS CINCO MARAVILLOSAS MANÍAS DE HOMBRE SOLO»... O «DAVID MOYA» Y SU FANTÁSTICO MUNDO INTERIOR.

Hace meses que creé esta sección del blog, a la que llamé "Musicalma sabatina", con el fin de reservar un espacio en el que poder recomendar algunos discos que merecen ser escuchados con especial "calma". Escuchados, por ejemplo, en un "sábado": día de la semana en el que teóricamente –por desgracia no en todos los casos– podemos disponer de un poquito más de tiempo para dedicarlo a disfrutar con la música y con la literatura.

En ese sentido todo iba bien, sin complicaciones; pero de repente se me ha "colao" en el camino un cantautor llamado DAVID MOYA y me ha roto todos los esquemas. Éste es el culpable:

David Moya.

¿Qué ha ocurrido? Os lo cuento: Después de un tiempo de tener aparcado su último libro-disco "Cinco manías de hombre solo", esta semana me he decidido a rescatarlo para disfrutar de él a fondo, y poder recomendarlo precisamente hoy.

En ese empeño me he dado cuenta de que se trata una obra de tal magnitud "poÉTICA", literaria, artística y musical, que supera, con creces, la posibilidad de recomendarla en tan solo una "musicalma sabatina"; así que por su culpa –que, por cierto, me encanta– se me ha ocurrido parir una nueva sección del blog que podría llamarse, por ejemplo, "remusicalma dominical"; sección en la que reaparecerán discos, como el de DAVID MOYA, que para poder disfrutarlos de verdad van a requerir más tiempo y más calma de las habituales... O sea, y concretando, que hoy, y mañana también, voy a presentar  y voy a recomendar estas "Cinco manías" de David que me tienen entusiasmado.

En este "cuelgue" voy a empezar por el principio, mañana –ya lo veréis– cambiaré de estrategia.

El principio aconteció en Murcia, el 15 de diciembre de 1978 –día, mes y año en que nació David Moya–... Cuentan que de pequeño «acostumbraba a ser feliz pisando charcos», y que luego fue creciendo y creciendo dejándose atrapar por unas apasionantes «manías» de las que le ha sido  imposible desprenderse... "Manías de hombre solo" –cultivo de su interioridad– que han ido modelando en él a un creador completo, comprometido y singular.

Luis Leante, escritor también murciano –premio nacional de novela Alfaguara 2007 y creador del fascinante personaje literario "Justino Lumbreras"–, que conoce bien a David, escribe: «David Moya es un músico que escribe, un escritor que compone, un compositor que hace poesía, un poeta que sabe contar historias, un contador de historias que toca la guitarra, un guitarrista que observa». Y es cierto, David es todo eso; lo que le convierte, desde el punto de vista musical y literario, en un personaje "muticreador" y, en consecuencia, de "multiplicidad de registros y de sensibilidades".

Como "cantautor" –o sea, "autor de canciones con alma"– David, anteriormente a sus "Cinco manías de hombre solo", ha grabado cuatro discos: "Sueñografía 1978 - 2003" (2003) –el título ya prometía–, "Volteretas" (2004), "Rebelado" (2008) y "Negativos latentes" (2009).

En el año 2011, tras un tiempo de alboroto y ebullición literaria y musical, David Moya tomó la decisión de canalizar sus inquietudes y sus creaciones con la puesta en marcha de un gran proyecto en el que recoge –no sé si conscientemente– todo el universo artístico que, desde los años sesenta, ha estado girando en torno al género de la "canción de autor": me refiero al hermanamiento entre la música, la literatura y la expresión plástica... Proyecto, hecho realidad, que se concreta en la edición de un disco-libro –"caja-libro-disco" diría yo– en el que desahoga cinco de sus manías principales –¡algunas más tendrá! ¡seguro!–:

• Primera manía: Cantar y desnudarse. "Espejos y retratos".

• Segunda manía: Hablar en verso. "Las caras y sus reversos".

• Tercera manía: Contar historias. "Es gente como yo la que abandona el planeta".

• Cuarta manía: No callarme. "Desconcertantes objetos de estudio".

• Quinta manía: No estarme quieto. "Mate y dulce de leche".

En el "cuelgue" de hoy, o sea, en esta "musicalma sabatina" pretendo solamente presentar el proyecto "Cinco manias de hombre solo" en su globalidad, para lo que voy a acudir a dos vídeos en los que el propio David Moya nos presenta su trabajo y a las personas que han colaborado con él: "Los Agentes de la Dinamita" –su banda–; las colaboraciones especiales en la grabación de Alejandro Mártinez, Sergio Valcárcel, David de Gregorio y Reme "La Chana"; José Luis Manzanero –productor y arreglista–, David Albaladejo y Alberto Belando –ingenieros de sonido–, Pepe Yagües –escultor e ilustrador–, Juan Ignacio Sánchez y Fran Piqueras –diseñadores gráficos–, Miguel Rodríguez –realizador malagueño–, Juanan Requena –fotógrafo– y la labor artesana del Centro de Ocupación APICES de Cartagena.

Os propongo disfrutar ahora de estos dos vídeos, y mañana continuamos con David Moya y su último libro-disco; lo haremos inaugurando un nuevo "rinconcillo" del blog al que vamos a llamar: "REMUSICALMA DOMINICAL"... ¡Feliz sábado, y mañana, tempranito, volvemos a encontrarnos!

CANCIONES Y PERSONAJES: JOSÉ ANTONIO LABORDETA Y «SACCO Y VANZETTI».

Anoche, visionando la quinta parte del programa "LA CLAVE" que colgaré este fin de semana, escuché a JOSÉ ANTONIO LABORDETA hablando varias veces de su canción "Para qué sirvió" grabada en su disco "Trilce" (1989);  canción en la que hace referencia a dos personajes llamados Ferdinando Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti –"Sacco" y "Vanzetti"–. 

Hoy, anticipándome al nuevo "cuelgue" de "La Clave", he pensado en traer al blog esa canción de Labordeta, por si alguien la ha olvidado, o no la conoce.

Partiré presentando a los dos personajes mencionados por José Antonio en su canción: "Sacco" y "Vanzetti".

Ferdinando Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti

Ferdinando Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti fueron dos inmigrantes italianos, trabajadores y anarquistas, ejecutados en la silla eléctrica en Massachusetts, Estados Unidos, el 23 de agosto de 1927. Ejecución radicalmente absurda –como cualquier otra aplicación de la "pena de muerte"– que además –y para colmo de males– fue despiadada e injusta.

En el año 1920, en Estados Unidos, tras un ataque con bomba atribuido al movimiento anarquista –aunque nunca fue reivindicado por dicho movimiento– las fuerzas de seguridad y las autoridades locales detuvieron a dos inmigrantes italianos: Sacco y Vanzetti, bajo cargos de robo a mano armada y asesinato. A lo largo del proceso judicial se evidenció con total claridad que eran inocentes, pero sin embargo fueron condenados a "pena de muerte".

Con aquel sangriento gesto, las autoridades de los Estados Unidos protagonizaron un acto de represalia política contra la ideología anarquista y contra los inmigrantes italianos, en general, calificados despectivamente como "pobres y extranjeros".

Antes de ser ejecutado, Bartolomeo Vanzetti afirmó: «Muero como he vivido, luchando por la libertad y por la justicia... ¡Oh, si pudiera demostrar a todos que no tengo nada que ver con el horrendo crimen por el que se me condena!... Mi corazón está lleno, rebosante de amor por los míos... ¿Qué culpa tengo si he amado demasiado la libertad?».

Por su parte Nicola Sacco dijo: «¡No hay justicia para los pobres en América!... Voy a la muerte protestando hasta lo último contra la injusticia».

Frente a esos hechos, Jose Antonio Labordeta, decide componer su canción titulada "Para qué sirvió"; evidentemente es una canción que no requiere ningún tipo de explicaciones; no las requirió ni cuando la compuso, ni ahora mismo: «¡Para qué sirvió la muerte de Sacco y Vanzetti!».

José Antonio Labordeta.

Esta canción podemos escucharla en el siguiente enlace de "goear":

http://www.goear.com/listen/1333fa5/para-que-sirvio-labordeta

«Si tu vida se hace

una larga noche

cubierta de un miedo

frío y ancestral,

si en tus ojos crecen

como mudos rostros,

la rabia, el odio

y la soledad.

Si eres blanco o negro,

judío o cristiano

y guardas tus voces

por temor a hablar

y en tus manos duras

escondes cadenas

que te atan y acaban

con tu dignidad:

Para qué sirvió

la muerte de Sacco y Vanzetti.

Si en oscuros trenes

vas a trabajar

por países densos

viejos como el mar

y en la lejanía

guardas la nostalgia

de tu infancia quieta

en la inmensidad.

Si eres extranjero

allí donde estés

porque te lo gritan

una y otra vez

sin que tú comprendas

cómo puede ser

que desde muchacho

nadie te dé fe:

Para qué sirvió

la muerte de Sacco y Vanzetti.

Si los hombres tienen

miedo a continuar

y las madres saben

que van a llorar

porque para ellos

la vida se hizo

como una herida

que no cerrará.

Si frente a los golpes

una vida grita

y como respuesta

oye la piedad

para qué han caído

cubriendo las tierras

todas esas gentes

en lucha brutal:

Para qué sirvió

la muerte de Sacco y Vanzetti»

¡MUJER!... ¡¡¡UN ABRAZO URGENTE QUE ES Y SERÁ SIEMPRE COTIDIANO!

No soy demasiado aficionado a la celebración de los días de... Pero hoy sí, hoy quiero lanzar al viento un abrazo inmenso a todas las mujeres que son conscientes de sí mismas y que defienden con toda su alma su identidad y su libertad.

Y voy a hacerlo, como siempre, con una canción, con esta canción escrita por la escritora venezolana GLORIA MARTÍN y cantada hoy por AMPARO OCHOA.

«Mujer, si te han crecido las ideas, 

de ti van a decir cosas muy feas: 

que no eres buena, que si tal cosa;

que cuando callas te ves mucho más hermosa. 

Mujer, espiga abierta entre pañales, 

cadena de eslabones ancestrales,

ovario fuerte, dí lo que vales,

la vida empieza donde todos son iguales. 

Ángela James o antes Manuela, 

mañana es tarde y el tiempo apremia. 

Mujer, si te han crecido las ideas, 

de ti van a decir cositas muy feas, 

cuando no quieras ser incubadora,

dirán: no sirven estas mujeres de ahora. 

Mujer, semilla, fruto, flor, camino, 

pensar es altamente femenino. 

Hay en tu pecho dos manantiales, 

fusiles blancos, y no anuncios comerciales. 

Ángela James o antes Manuela,

mañana es tarde y el tiempo apremia».

MIKEL LABOA 4 - PRIMERAS E INOLVIDABLES CREACIONES

Mikel Laboa.

MIKEL LABOA, en 1964, antes de formar el colectivo "Ez Dok Amairu", al que hacía referencia en el "cuelgue" anterior, grabó su primer single en Bayona, publicado por la editorial Goiztiri; disco titulado "Azken", conpuesto de cuatro canciones tradicionales en euskera: "Amonatxo", "Bereterretxen kanthoria", "Aurtxo txikia" y "Oi Pello Pello".

Dos años más tarde, en 1966, Mikel grabó un segundo single, publicado igualmente por la editorial Goiztiri, en el que incluyó dos canciones tradicionales actualizadas y otras dos basadas en sendos poemas de Gabriel Aresti: "Egún da Santi Mamiña" y "Apur dezagun katea".

En aquel disco quedaron expresadas con claridad dos de las líneas de trabajo que caracterizan la obra de Mikel: la interpretación de canciones populares recreadas, y la musicalización e interpretación de textos escritos por poetas contemporáneos. Entre esos poetas figuran por ejemplo, Bertolt Brecht, a quien le dedicó su tercer single, en el que integró cuatro textos del poeta alemán traducidos al euskera por José Ángel Irigaray: "Liluraren kontra", "Gaberako aterbea", "Denak ala inor ez" y "Munduaren esker ona", canciones que fueron prohibidas por la censura franquista.

Os propongo, en concreto, escuchar y disfrutar la canción "Gaberako aterbea", basada en el poema "Refugio nocturno", de Brecht:

«Me han contado que en Nueva York

en la esquina de la calle 26 con Broadway

se pone cada atardecer un hombre

durante los meses de invierno

y, pidiendo a los que pasan,

consigue un techo para que pase la noche

la gente desamparada que allí se reúne.

Con eso no cambia el mundo

no mejoran con eso las relaciones entre los seres humanos

no es ésa la forma de acortar la era de la explotación.

Pero algunos hombres tienen cama por una noche

se les abriga del viento durante toda una noche

y la nieve a ellos destinada cae en la calle.

No abandones el libro, tú que lo estás leyendo.

Algunos hombres tienen cama por una noche

se les abriga del viento durante toda una noche

y la nieve a ellos destinada cae en la calle.

Pero con eso no cambia el mundo

no mejoran con eso las relaciones entre los seres humanos

no es ésa la forma de acortar la era de la explotación».

(“Refugio nocturno”. Bertolt Brecht - Mikel Laboa”)

«Kontatu didate Nueva York-en / Broadway eta 26 karrikaren kantoian, / Negu gorrian, gizon batek gabero / jendeari otoi eskatzen, / aterbea bilatzen duela bilutsirik daudenentzat. / Mundua ez da era hortan aldatzen / Gizonen hartu-emanak ez dira hobekitzen / zama-aroa ez da hola laburtzen / Baina gizon batzuek gau batez, ohea dute, / aterbean haize otzik ez eta / bereri zijoakien elurra, karrikan ari da. / Liburuaren irakaspenik ez ahaztu gizona! / Gizon batzuek gau batez ohea dute, / aterbean haize otzik ez eta / bereri zijoakien elurra, karrikan ari da. / Bainan mundua ez da era hortan aldatzen / Gizonen hartu-emanak ez dira hobekitzen / zama-aroa ez da hola laburtzen». (“Gaberako aterpea”. Bertolt Brecht - Mikel Laboa”).

En 1974, Mikel Laboa grabó su primer LP, "Bat-Hiru", editado por la discográfica catalana Edigsa en su sello "Herri-Gogoa" –dedicado a la música y a la canción vascas–. 

Primer LP de Mikel Laboa. "Bat-Hiru" (1974).
Ilustración de cubierta: José Luis Zumeta.

Disco histórico y extraordinario en el que recoge algunas de sus canciones ya aparecidas en singles, y canciones nuevas como "Txoria Txori" –basada en un texto de Joxean Artze–, que llegó a convertirse en un auténtico himno en defensa de la libertad. 

Seguidamente podemos escuchar dos versiones de esta hermosísima canción, la primera interpretada en directo por Mikel acompañado del violinista escocés Alasdair Fraser, y a continuación la versión que realizó la mítica Joan Baez.

«Si le hubiera cortado las alas

habría sido mío,

no habria escapado.

Pero así,

habría dejado de ser pájaro.

Y yo...

yo lo que amaba era un pájaro».

«Hegoak ebaki banizkio

nerea izango zen,

ez zuen aldegingo.

Bainan, honela

ez zen gehiago txoria izango

eta nik...

txoria nuen maite».

Detrás de esta canción, que destaca por su sencillez y por su riqueza simbólica, se esconden muchos latidos y muchas esperanzas de personas –yo entre ellas– que, en los tiempos grises del franquismo, e incluso después, encontramos en Mikel la motivación y el impulso para creer y para luchar, a riesgo de lo que fuera necesario, por un futuro posible en el que el don de la libertad nunca más nos fuera enjaulado.

En aquel disco aparecieron también sus primeros "Lekeitios", o canciones experimentales –tercera línea de trabajo característico en la obra de Mikel–, en las que se lanza a la búsqueda de nuevas formas expresivas haciendo que las palabras queden vacías de su estricto contenido o significado, y dando paso a la pura expresión a través de los sonidos y su fonética.

Concretamente, en "Bat-Hiru", aparecieron dos de sus "Lekeitios": "Baga, biga, higa" (Lekeitio 2) y el titulado "Guernika" (Lekeitio 4). 

Del "Lekeitio 2" os propongo también la audición de estas dos versiones interpretadas respectivamente por Mikel Laboa y por el Orfeón Donostiarra.

Por último es importante destacar también un hecho que se produce en el LP del que venimos hablando y que se repetirá continuamente en la obra de Mikel, me refiero a la relación amistosa y creativa que desde siempre ha mantenido con el pintor José Luis Zumeta, extraordinario artista que perteneció al grupo "Gaur" y que ha sido el creador de la mayoría de las portadas de sus discos.

José Luis Zumeta.

EL «PLANETA CASA» DE PABLO SCIUTO: ¡ENTREN, RELÁJENSE Y SIENTAN!

Hay un texto escrito por Bertolt Brecht que me encanta, pero que suelo utilizar muy pocas veces poniéndolo en relación con las personas a las que conozco; y no lo hago, entre otras razones, porque por nada del mundo me gustaría que esas palabras –¡tan hermosas!– pudieran perder sentido de tanto usarlas. Son las siguientes:

«Hay hombres que luchan un día y son buenos,

hay otros que luchan un año y son mejores,

hay quienes luchan muchos años y son muy buenos,

pero hay los que luchan toda la vida,

esos son los imprescindibles».

Es verdad que no hago demasiadas alusiones a ese texto, porque le tengo mucho respeto; pero hoy, excepcionalmente, sí voy a hacerlo y voy a referirlas a un compositor uruguayo, nacido en Montevideo, y actualmente residente en España, llamado PABLO SCIUTO.

Pablo Sciuto.

Pues sí, Pablo Sciuto es uno de esos hombres "imprescindibles" que llevan toda su vida luchando por hacer –y hacerlo con dignidad– lo que más le gusta y más ama: componer e interpretar sus propias canciones; tarea –u oficio– que realiza enfrentándose –con ilusión y con esperanza– a las múltiples dificultades que hoy presenta el mercado "cultural" y, más concretamente "musical" y "discográfico", y consiguiendo crear e interpretar todo un amplio repertorio de canciones de gran calidad. 

Pablo, por otra parte, cierra el círculo de sus creaciones asumiendo, con riesgo, al reto que supone la autoproducción y el autolanzamiento de una discografía coherente y continuada. Concretamente la siguiente:

A lo dicho anteriormente he de añadir –porque me parece, hoy por hoy, muy importante, y es menos común– que Pablo Sciuto es una persona humilde. («La "humildad" –dice Miguel de Cervantes– es la base y el fundamento de todas las virtudes»). Humildad que nutre, efectivamente, con otras virtudes como la ilusión, la responsabilidad o la "incansabilidad" en su trabajo... Pocas veces –no recuerdo ninguna– me he encontrado personalmente con Pablo sin que haya conseguido contagiarme su esperanza, sin mostrarme su afecto –sé que sincero y desinteresado–, y sin conseguir implicarme en sus proyectos.

Pues bien, su último proyecto se llama "Planeta casa" y se concreta en un nuevo CD compuesto de 13 canciones interpretadas con su grupo "Astrónomos urbanos".

En "Planeta casa", Sciuto se reafirma en sus raíces "multimusicales", o sea, en la gran variedad de formas y de géneros musicales de los que ha bebido aprehendiendo y fundiendo sus esencias: jazz, bossa nova, candombe, folk, funk, rock, pop, canción de autor, música electrónica... ¡y qué se yo!... En ese mismo contexto hay que resaltar –entre paréntesis– la pasión que siente, en particular, hacia el recientemente fallecido Luis Alberto Spinetta, a quien le rindió su homenaje en Madrid –en marzo del año pasado–, y a quien le dedica precisamente su "Planeta casa".

Respecto a los textos de sus canciones Pablo Sciuto es un poeta que permanentemente mantiene un posicionamiento de búsqueda; búsqueda de si mismo, del sentido de la realidad y del amor como forma de vida: «Bajo el mismo sol / sobre el mismo latido / en la misma prisión / todos buscamos un sentido» ("Bajo el mismo sol"); una búsqueda entretejida de disconformidades y de sueños; viaje de exploraciones íntimas, reservadas, misteriosas..., siempre hasta el fondo de sí mismo –«viaje distante al fondo de mi»–; o explorando el cosmos «sin la gravedad que todo sostiene».

«Quiero vibrar 

y cambiar las leyes 

sin la gravedad 

que todo sostiene

y perderme en ti.

Instalé un cometa, 

en mis pies dormidos, 

para recorrer, cada paso perdido...

y todo lo que viene

lo mueve este universo»

("Alas")

¡Me encanta viajar musical y poéticamente con las canciones de Sciuto!; canciones y músicas inclasificables –son sencillamente las suyas–; canciones que me "enganchan", sobre todo, porque están preñadas de libertad; me refiero a la libertad que genera el uso que Pablo hace en ellas de la música y de un lenguaje cargado de simbologías y metáforas... Prueba de ello, es, por ejemplo, el tema "Casa", que abre su nuevo disco:

«La casa llevo a cuestas

cuando estoy con vos

el alma son las puertas

las ventanas el corazón

La piel son los manteles

el pelo las cortinas

tus manos y las mías

la llave y la alegría

Somos casa los dos

nos mudamos con el corazón

y siempre nos protege del frío

nuestro amor

Los ojos chimeneas 

que miran dentro y fuera

las mantas los abrazos

los fundas nuestros brazos

Los pechos las almohadas

el beso la fachada

las piernas las columnas

soportan el peso juntas».

("Casa")

Por todo lo que he escrito a lo largo de este "cuelgue", y por mucho más que me reservo, relacionado con su responsabilidad personal, con su generosidad y con su ternura, vuelvo al principio: Pablo Sciuto es uno de esos hombres que llevan luchando toda la vida –y luchando bien– y por eso, al menos para mí, es uno de esos creadores que resultan "imprescindibles" dentro del universo de nuestra música popular.

MIKEL LABOA 3 - «EZ DOK AMAIRU» Y LA «SOLIDARIDAD» COMO PROYECTO CULTURAL.

Mikel Laboa.

Al final del anterior "cuelgue" dedicado a MIKEL LABOA hacía referencia a su participación en la formación del colectivo de canción vasca llamado «EZ DOK AMAIRU»; hoy voy a centrarlo en torno al nacimiento y a la puesta en marcha de ese colectivo en el que Mikel intervino muy especialmente.

Durante su estancia en Barcelona como estudiante universitario, Mikel Laboa tuvo la oportunidad de vivir, muy de cerca, el nacimiento de la "nova cançó", y de entrar en contacto con Raimon y con los componentes del colectivo catalán "Els Setze Jutges". «Conocí a Pi de la Serra –evoca Mikel–, y asistí como espectador a los primeros recitales de la "nova cançó"; recuerdo uno que vi en el Palacio de los Deportes que fue multitudinario... Eso de que saliera Raimon y comenzara todo el mundo a cantar "Al vent" me dejó muy asombrado».

Fue entonces cuando Mikel Laboa pensó que podría hacerse algo semejante en Euskadi, adecuándolo a la realidad social y cultural vasca.

Obsesionado con aquella idea, nada más regresar a San Sebastián se puso en contacto con algunos músicos, escritores y artistas que estaban comprometidos con la cultura vasca, con el fin de contarles sus inquietudes y sus proyectos, y pedirles su colaboración para ponerlos en marcha.

Jorge Oteiza y Mikel Laboa.

Entre aquellos contactos habría que destacar el que mantuvo con el escultor y escritor Jorge Oteiza, que, en aquel momento, estaba poniendo en marcha el grupo "Gaur", un grupo de escultores y de pintores que decidieron unirse para alentar y promover la renovación y la experimentación de una creación artística libre y genuinamente vasca; y, a la vez, para impulsar una auténtica educación artística entre las nuevas generaciones.

Por otra parte, Mikel, entró en contacto con otros jóvenes que en aquel momento estaban empezando, como él, a componer y a interpretar sus propias canciones en euskera: Benito Lertxundi y Lourdes Iriondo. (Concretamente, de Benito Lertxundi sabía que se había presentado a un concurso de artistas nóveles, organizado por el diario donostiarra "La Voz de España" y que lo había ganado).

Realizados los anteriores contactos, Mikel convocó una serie de reuniones para plantear la posibilidad de crear en San Sebastián un colectivo de canción similar al de "Els Setze Jutges" de Cataluña. Benito recuerda aquellos momentos con estas palabras:

Benito Lertxundi.

«Cuando gané el premio aparecí en los periódicos y fue Mikel Laboa el que me llamó por teléfono para tener un primer contacto y conocernos, porque él cantaba ya. A partir de ahí comenzaron las reuniones... Lourdes Iriondo también cantaba, así como un sacerdote, Juan Lekuona. Empezamos a reunirnos y poco a poco se fue sumando gente. Me acuerdo de otro sacerdote que hacía unos chachachás en euskera que se llamaba Nemesio Echániz. De esas reuniones surgió la idea de hacer una cosa parecida a la de Cataluña. Más o menos, ése fue el inicio del grupo».

En efecto, en aquellas reuniones en 1966, a las que también asistieron Jorge Oteiza y otros componentes del grupo "Gaur", nació el colectivo musical al que decidieron llamar "Ez Dok Amairu", que significa «no hay trece»; nombre que se le ocurrió a Jorge Oteiza recordando un cuento popular en el que se narra cómo un buen día se le apareció el diablo a san Martín el Herrero dispuesto comprarle su alma; en aquellas circunstancias, el demonio le retó a realizar un juego. Él diría un número y san Martín tenía que decir una palabra relacionada con ese número...: 3, la Trinidad...; 12, los Apóstoles...; cuando el demonio llegó al número 13, San Martín no recordó nada y dijo: «ez dok amairu». A Oteiza le pareció que aquella expresión podría ser oportuna para nombrar al colectivo, dando a entender que «no hay trece» con la cultura, que se había roto el maleficio del número 13 y que la cultura vasca progresaría.

Por otra parte, el escultor Remigio Mendiburo, fallecido en 1990 –que también pertenecía al grupo "Gaur"–, diseñó el anagrama del colectivo a partir de su escultura "Homenaje a la txalaparta"; escultura en la que se representa una txalaparta, instrumento musical de percusión totalmene enraizado en la tradición cultural del pueblo vasco.

(«La "txalaparta" es un instrumento de percusión que consiste en un doble tablón de madera apoyado horizontalmente sobre dos canastos invertidos que se golpea verticalmente con makilas o palos por dos ejecutores. Los canastos que sirven de soporte son de castaño, y entre ellos y las tablas se colocan unos montones de hojas secas o sacos de arpillera para mantener la resonancia. Modernamente, se utilizan ogros tipos de soporte». "Diccionario de la Música Española e Hispanoamericana", SGAE).

Txalaparta tradicional.

Inicialmente el colectivo "Ez Dok Amairu" estuvo integrado, entre otros creadores, por Mikel Laboa, Benito Lertxundi, Lourdes Iriondo, Xavier Lete, Julen Lekuona, José María Zabala, Luis Bandrés, Kepa Garbizu, Jesús y Joxean Arce y Juan Miguel y José Ángel Irigaray.

El colectivo "Ez Dok Amairu", hacia 1971. En la parte superior
(de izquierda a derecha: Koldo Antero, Julián Beraetxe, maria José Fernández,
Itziar Maritxalar,  Nekane Oyarvide, José Luis Treku, Iñaki Maritxalar,
Jesús Arze, Mikel Laboa y José Ángel Irigarai.
En la parte inferior (de izquierda a derecha): José María Zabala, José A. Arze,
Juan M. Irigaray, Benito Lertxundi, Xavier Lete, Lourdes Iriondo y Kepa Garbizu.

Una vez constituido el colectivo, sus componentes empezaron a presentarse y a dar sus recitales por los pueblos de Euskadi; recitales en los que, por lo general actuaban juntos, adoptando gestos claramente significactivos de sus planteamientos grupales: «Permanecíamos todos sentados en el escenario mientras uno cantaba –nos cuentan–, luego él se sentaba y actuaba otro»; expresión tangible de un principio que también asumieron los Jutges en Cataluña: «la idea del "yo" era indisociable de la idea del "nosotros"».

Mikel Laboa, Benito Lertxundi y Maite Idirin. Año 1970

El 26 de noviembre de 1967, el colectivo "Ez Dok Amairu" hizo su presentación en el Palau de la Música de Barcelona; concierto en el que también intervinieron Pi de la Serra con sus músicos y Teté Montoliu.

Reproducción del programa de mano del concierto celebrado
en el Palau de la Música el 26 de noviembre de 1967.

Con este intercambio cultural entre Cataluña y Euskadi, se puso en marcha algo que fue característico de la "nueva canción" en toda España, me refiero al movimiento de solidaridad que se estableció en torno a la canción, contra la dictadura y en defensa de la democracia; a partir de entonces, y hasta los años de la transición democrática, los cantantes se encontraron, con frecuencia en todo tipo de conciertos y de recitales para expresar al unísono, cada uno en su lengua y desde sus peculiaridades, el vínculo y la esperanza de la libertad, de la justicia y de la paz verdaderas; una experiencia que se fortalecía y se abría camino en la unidad enriquecida por los valores de la diversidad y de la diferencia. 

«LA CLAVE». INFORMACIÓN COMPLEMENTARIA.

Esta mañana he recibido varios correos pidiéndome información sobre el "concierto" al que hacen alusión los participantes del programa de TV de "LA CLAVE", al final de la 4ª parte que colgué ayer.

He acudido a mi archivo personal –ese que tanto deseo que se conserve en un "Centro de Documentación de la Canción de Autor" y que parece un sueño imposible–, he rescatado el cartel correspondiente a aquel concierto y aquí os dejo la información. Aquel concierto –celebrado en 1993– fue el siguiente: