«ANÍBAL SAMPAYO» III - "LA POESÍA Y EL CANTO LE PERTENECEN TOTALMENTE AL PUEBLO, Y EL PUEBLO, YA SE SABE, NO CALLA NI OLVIDA"

La primera vez que Aníbal Sampayo actuó en España fue en 1967, desde donde se trasladó a Cuba para participar en el I Encuentro Internacional de la Canción Protesta que se celebró en Varadero; encuentro en el que también participaron, en representación de Uruguay, Daniel Viglietti, nuestro querido Quintín Cabrera –que en aquel momento vivía en Montevideo– y el poeta Márcos Velázquez. (En representación española participó en aquel encuentro Raimon, cantautor valenciano).

En recuerdo de  QUINTÍN CABRERA aquí podemos contemplarle
cantando en aquel Encuentro Internacional de 1967.  Valga
como curiosidad que aquel día tocó con la guitarra de Carlos Puebla
y con Bárbara Dane sosteniéndole el micrófono.

En 1970, Aníbal Sampayo compuso su cantata "A José Artigas" –héroe uruguayo reconocido como el Protector de los Pueblos Libres–, y al año siguiente, su obra poético-musical titulada "Orientales al frente".

Cubierta del disco de Aníbal Sampayo dedicado "A José Artigas".

El 27 de mayo de 1972, dada su ideología de izquierdas y su proximidad al Movimiento de Liberación Nacional-Tupamaros, fue detenido y encarcelado en Paysandú; circunstancia que él mismo recuerda: «En la cárcel pasé nueve años. Para mi fue como una escuela. Después de andar tanto, en la cárcel ordené mis ideas y leí mucho».

En 1980, lo pusieron en libertad, y comprobó que dentro y fuera de su país había amigos, cantores y gente del pueblo que no le había olvidado. «Pese a la represión y a la campaña infame llevada a cabo por los dictadores, pretendiendo borrar mi nombre y enterrarlo en el olvido –comentaba Aníbal–, esos amigos lo defendieron manteniendo en alto mi honra. Los fascistas se olvidaban que cuando se escribe para el pueblo, la poesía y el canto le pertenecen totalmente a él, y el pueblo, ya se sabe, no calla ni olvida."

Después vino el exilio. A finales de los ochenta, dada la situación de acoso, de amenaza, de censura en la que se vio obligado a vivir, decidió exiliarse acompañado de su mujer y de su hijo que tenía doce años. Primero se trasladó a Brasis y, posteriormente, a Suecia.

Cuando vivía en Suecia realizó varias giras por Francia, Italia, Alemania, Bélgica, Holanda y España –fue entonces cuando tuve la oportunidad de conocerle y de admirarle personalmente–. Finalmente puso fin a su exilio en 1985 y regresó a Uruguay.

Durante los años de exilio y a partir de la vuelta a su país, Aníbal Sampayo realizó, entre otras, las siguientes grabaciones: "Canto a la liberación" (1983), "Patria" (1985), "Homenaje" (1992) y "De antiguo vuelo" (1999).

Aníbal publicó también varios libros; entre ellos "El canto elegido" –obra autobiográfica–, "Nuestras raíces", "Toponimia, flora y fauna en el Uruguay" y "Aníbal Sampayo. Desde Paysandú, canto y poesía", libro publicado en 2001.

A sus sesenta y ocho años, como consecuencia de la enfermedad de Alzheimer, Aníbal tuvo que retirarse a una casa de salud en la ciudad de Paysandú, donde residió humildemente hasta el día 10 de mayo de 2007, en que falleció.

Poco antes e su muerte, el domingo 6 de agosto de 2006 –con motivo de su octogésimo cumpleaños– se le rindió un entrañable homenaje popular consistente en la organización de una marcha vecinal, y en la celebración  de un gran recital en el Teatro Florentino Sánchez, al que los organizadores llamaron "Los Pueblo Libres" y en el que participaron más de veintitrés artistas de Argentina, Brasil, Paraguay y Uruguay.

Marcha vecinal en homenaje a Aníbal Sampayo con motivo de
la celebración de su octogésimo cumpleaós.

Aníbal Sampayo rodeado de niños después de la celebración
de su octogésimo cumpleaños.

Ese mismo año, los Cantores de Paysandú grabaron y presentaron en el teatro Florencio Sánchez un disco con versiones de algunas de sus creaciones, denominado "Aníbal Sampayo, el del Río de los Pájaros Pintados", en donde músicos de diferentes estilos versionaron sus canciones con gran cariño, respeto y dignidad. , en donde músicos de diferentes estilos versionaron sus canciones con gran cariño, respeto y dignidad. 

Creo realmente que evocar y aplaudir la presencia en nuestro tiempo de seres humanos y de cantores como ANÍBAL SAMPAYO merece la pena; por eso lo he hecho durante tres días aquí en mi blog.  Ahora, para concluir esta evocación contra el olvido, os dejo un vídeo en el que podemos escuchar Aníbal Sampayo interpretando la canción "Río de los pájaros", uno de sus temas conocidos, premiado en Cosquín en 1964.

«ANIBAL SAMPAYO» II - "EL FESTIVAL DE COSQUÍN" Y UNA REFLEXIÓN IMPRESCINDIBLE PARA EL UNIVERSO "CANTAUTORIL".

Cuatro años después de que Aníbal Sampayo grabara y editara sus primeros singles con "su arpa y su conjunto", concretamente, en 1961, vivió quizá una de las aventuras más importantes de su vida, tanto humana como profesionalmente. fue la puesta en marcha junto con Atahualpa Yupanqui, Jaime Dávalos y Eduardo Falú, entre otros del FESTIVAL DE COSQUÍN, en Argentina, considerado como uno de los encuentros musicales mas importantes de Latinoamérica.

¡QUE CUATRO GRANDES!
Yupanqui, Falú. Dávalos y Sampayo.
Canción popular en estado puro.

El propio Aníbal Sampayo, que participó en la edición el primer festival, celebrado en 1961, y siguió haciéndolo hasta 1979 –sin faltar ningún año a la cita–, nos relata los motivos por los que a partir de 1979, decidió dejar de asistir al encuentro; relato profunda y apasionadamente crítico en el que manifiesta con absoluta libertad, su punto de vista personal:

"Comenzó el festival con unas cuatrocientas personas, la mayoría de ellas gente de la zona. Muchos caballos, mulas y burritos atados a los palenques y varios puestos de ventas de comidas típicas y de artesanías lugareñas.

"El escenario había sido levantado en el centro de la plaza pública, a un costado de la ruta nacional, y tenía mucho de parecido con los tablados del carnaval uruguayo. Allí estábamos los pioneros del que más tarde sería el primer escenario del canto nativo argentino. Lo prestigiaban la presencia de Jaime Dávalos, Atahualpa Yupanqui, los Hermanos Albarracín, Bustamante y el compadre Florencio López, entre muchos otros que le pusieron el hombro a la esperanza de unos pocos vecinos y de un pueblo que había sido olvidado por el turismo nacional. 

"Pero a mi entender ya en el 69 el festival estaba más influenciado por las multinacionales como Philips, que por los propios vecinos que lo fundaron. Los militares rondaban y aconsejaban, por no decir imponían, algunas cosas, dando comienzo entonces, al manipuleo y a la discriminación ideológica de los cantantes.

"El último domingo de enero de 1969, me correspondió la primera entrada en la Cadena Panamericana de radio, en los espacios más importantes, es decir, entre las 22 y las 24 horas. Cuando me dirigía hacia el escenario, el hombre que estaba a cargo de las planillas de los repertorios, se me acercó y me preguntó:

"–Eso que usted va a cantar, Patrón, qué es?

" –Una milonga -le contesté.

"–Si, pero de qué se trata? -insistió.

"–Ah, ahora cuando lo escuche lo va a saber -le respondí.

"En esos precisos instantes Julio Márbiz, anunciaba al público mi presentación. En mi segunda entrada a escena, ya no me permitieron actuar. Fue la última vez que participé en Cosquín".

Con aquella actitud, el cantor uruguayo reafirmaba una de sus convicciones más profundas como creador y como intérprete: «El arte y el compromiso estás unidos. El pueblo es el poseedor de una verdad y una experiencia insustituible. Por lo tanto, cuanto mayor es el compromiso y la integración del artista con su pueblo, es inevitable e imprescindible que el creador haga suyas las necesidades y los derechos de su gente».

¡Tomemos nota de estas palabras! ¡pensémosla despacito! ¡y no nos olvidemos de ellas, tienen absoluta actualidad!.... ¡OJALÁ QUE EL OLVIDO NO NOS TRAICIONE!... Sobre todo a algunos que son tan modernos, tan "progres", que se creen con tanta joven "calidad", que no necesitan saberse culturalmente parte de una historia con maestros y referentes que nos engrandecen... ¡Pobres ignorantes!

"¡INOLVIDABLES!"... «ANÍBAL SAMPAYO», UN GRAN MÚSICO Y CANTOR URUGUAYO - I

Hoy en el blog voy a iniciar una nueva sección a la que genéricamente voy a llamar "¡INOLVIDABLES!". Será una sección dedicada a recordar y a reivindicar a aquellos cantores y cantoras –tanto españoles, como latinoamericanos– que han sido –y en realidad siguen siendo–, importantes para nuestra cultura, pero que los tenemos olvidados porque hace años que se nos fueron, o porque el maldito paso del tiempo se ha encargado de arrinconarlos injustamente.

Y voy a inaugurar esta mueva sección con un creador uruguayo extraordinario, Es el autor de esta canción, titulada "Patrón" que hicieron muy popular el grupo chileno Quilapayún al final de los años sesenta. Os propongo escucharla como introducción al "cuelgue" de hoy

«Patrón, esa sombra que tirita tras sus reses,

huella y harapos, comiendo a veces;

patrón, por sus intereses,

ahí va su peón.

Patrón, esa sombra que levanta sus galpones,

sudor trenzado con otros peones;

patrón, por sus ambiciones,

ahí va su peón.

Patrón, esa sombra carne al sol que le rotura,

con sueldo enano, su tierra oscura;

patrón, y que usté disfruta,

ahí va su peón.

Patrón, esa sombra, como un nuevo Cristo que anda,

piedra en el pecho, cruz en la espalda;

patrón, y tosiendo rabia,

ahí va su peón.

Patrón, una sombra y otra sombra hacen tormenta,

y el vendaval no tiene riendas,

patrón, no hay quien lo detenga;

ahí va su peón.

Patrón, si esa sombra en luz estalla y ve que avanza,

como una aurora, en su garganta,

patrón, se le vuelve daga,

ése es su peón.»

El autor de esta canción, así como de otras hermosas creaciones como "Hasta la victoria" –que hizo muy popular Mercedes Sosa– se llama ANÍBAL SAMPAYO, y hoy va a ser nuestro protagonista.

Aníbal Domingo Sampayo nació el 6 de Agosto de 1926, en la ciudad de Paysandú (Uruguay). Lamentablemente nos dejó el 19 de mayo de 2007.

Su afición a la música le surgió gracias a su madre –hija de una española vasca y coplera–, que, como él mismo decía, empujó sus "sueños pentagramados".

Aprendió a tocar la guitarra muy joven con el maestro Alberto Carbone, experiencia que Anibal recordaba con estas palabras:

Anibal Sampallo

«En mi cabeza –declara– sólo cabían, esa mañana, aquellas palabras que costarían salir de mis labios a la hora del recreo, cuando me acercara al maestro Carbone para solicitarle me enseñara a tocar la guitarra. Claro que, lo más difícil de aquella entrevista, sería decirle que no tenía dinero para pagarle sus lecciones. 

Cuando llegó el tan esperado momento, aquel extraordinario hombre de una bondad sin límites, me preguntó:

– Tienes guitarra?

– No, señor -contesté.

– Para aprender a tocar guitarra, hay que tener una guitarra.

– Si señor. Mis padres me aseguraron que si usted me enseña, haremos todos un esfuerzo para comprar una a plazo.

– Está bien, te enseñaré gratis, pero con el compromiso de que estudies. Así no perderemos el tiempo ninguno de los dos. ¡Está claro?

– Cerrado el trato, maestro. No lo voy a defraudar.»

Y, efectivamente, no le defraudó. En 1939, como resultado de su buen aprendizaje, Aníbal comenzó a tocar la guitarra en diferentes programas de radio, ya fuera en solitario, ya con los hermanos Soler o con Leonardo Melano, quien lo acompañaría después durante muchos años.

En 1946, además, precisamente bajo la dirección de su maestro, Carbone, formó parte del conjunto "Fulgores" –compuesto de doce guitarras y un contrabajo–, que interpretaba música tradicional. Con este conjunto tuvo su primera actuación en público, en el teatro Florencio Sanchez, de Paysandú, su ciudad natal.

Entre los años 1941 y 1948, Aníbal emprendió varias giras por su país y por Argentina, trabajó en la radio difundiendo la música tradicional y empezó a interesarse por la investigación sobre el folclore uruguayo, en colaboración con el musicólogo Lauro Ayestarán.

En 1949, formó un conjunto con Ramón y Gerardo Arroyo –folcloristas paraguayos… y juntos, con el nombre de Trío Indi-Americano, realizaron una apasionante gira por Argentina, Bolivia, Brasil y Paraguay, país donde descubrió y a aprendió a tocar el arpa, instrumento que llegó a dominar a la perfección.

Aníbal Sampayo.

«Sería muy extenso –comentaba Aníbal Sampayo– relatarles todo mi peregrinar por el Paraguay, al que le debo tantos hermosos días de mi juventud y de mi música. Allí aprendí a entrelazar los primeros arpegios, en el telar armonioso del arpa. Muchachos campesinos y, más tarde, famosos artistas, fueron mis primeros maestros de arpa, entre los que se contaron Cristino Báez Monge, Ramón Giménez y Luis Bordón».

Durante los años, entre 1950 y 1956, sostuvo una actividad musical muy intensa, y en 1956 tuvo sus primeras experiencias discográficas con la grabación de dos singles firmados como "Aníbal Sampayo, un arpa y su conjunto", que se editaron en los sellos Pampa y Odeón, respectivamente.

RETRATO ÍNTIMO DE «MARINA ROSSELL»

MARINA ROSSELL

«Rocé tu corazón por un instante, sentí su calma, lo tuve entre mis manos...; fuiste una luz que lo inundaba todo...»; esta experiencia que nos transmite MARINA ROSSELL en una de sus canciones –experiencia que normalmente estalla ante el deslumbramiento o el escalofrío que nos produce el encuentro con la belleza–, es la que yo siento y percibo cada vez que la escucho cantar, tanto si lo hace en catalán –su lengua materna– como si lo hace en castellano; y es que si hay alguna pincelada que defina o que perfile el retrato y la personalidad de esta mujer, es la de la belleza; una belleza que va mucho más allá de la apariencia; una belleza que trasciende los límites de lo tangible; una belleza que viene a ser, en su caso, un rasgo total de su identidad y que, desde su identidad se transforma en un hecho real de su persona, de su música y de sus canciones.

Pero, ¿de dónde le viene a Marina tanta belleza? ¿en qué secreto fuego la alimenta? Yo creo –o mejor, estoy convencido que su secreto y su fortaleza radican en primer lugar en su la pasión por la libertad, no en etéreo, sino en su vida real y cotidiana; en el amor y en la forma que tiene de entender su existencia y su trabajo; una libertad que a veces duele –que a veces «niebla la luz del alba»–, pero que ella ha sabido siempre resguardar con una especie de "conjuro" o de fórmula mágica que esconde una bellísima alternativa:

«Sal de la cordura y entra en calma

hasta la locura sana y salva

y ven conmigo a mecer la luna.

Dale una vueltita al sentimiento,

sal de esta maldita fe en el miedo

y vem, descúbrete en el desierto».

En esa alternativa está también, para mí, su segunda fortaleza y el segundo nutriente de su encarnación de la belleza: Marina Rossell, cuando crea, cuando canta, o cuando tienes la oportunidad o la suerte de compartir con ella la amistad, no reprime sus sentimientos; sus sentimientos manan en sus palabras y en sus canciones al descubierto, y son unos sentimientos nobles, cálidos y sinceros engendrados, tal vez, allá en Gornal –«en aquellos atardeceres azules de verano»– y en sus silencios, cuando se calla el ruido y ella alimenta su sensibilidad de las realidades más cotidianas: «del sonido de una lámpara al fundirse», o «del gran rumor del mar».

Hay una tercera fortaleza que Marina posee, y que es un don que la naturaleza le ha regalado; un don que cultiva y trabaja, de forma constante, y siempre apuntando al mismo horizonte: el encuentro con la belleza; me estoy refiriendo a su voz. Marina tiene una voz rotunda, hermosa, limpia y penetrante; en su voz la palabra se hace música, y resplandece..., y confidencia..., y acaricia..., y excita...; en su voz la palabra y la música se transforman en un "latido inmenso".

Por todo esto, cuando rozo su corazón, siento y percibo una luz que me lo inunda todo...; «una revolución de soles en el alma» –como diría Gil de Biedma–; cosa que me pasa con bastante frecuencia, porque Marina Rossell no deja de cantar, y cuando canta, como ella misma confiesa –tomando unas palabras de Fito Páez– «viene a ofrecernos, y a ofrecernos a todos, su corazón.»

DESDE MI ATALAYA: UNA REFLEXIÓN Y VARIAS INFORMACIONES IMPORTANTES.

Hace bastante tiempo que no subo a mi atalaya para sentarme a escribir serenamente y para haceros llegar algunas de mis reflexiones, daros alguna noticia, o mostraros algo que me haga realmente ilusión compartir con todos vosotros y vosotras.

Pues bien, hoy lo haré, ¡Aquí me tenéis!... En general, el tema del que quiero hablaros es sobre la marcha de la Web «CANCIÓN CON TODOS»; sobre la magnífica colaboración y apoyo que nos estáis prestando los actuales 540 socios y socias fundadores del futuro Centro de la Canción de Autor, y sobre la próxima presentación y lanzamiento de la Web, que desde hace tiempo vengo anunciando.

Como me temo que este "cuelgue" va a ser un poco largo, permitidme que lo desarrolle en tres secuencias:

Lo primero, permitidme una pequeña reflexión: En una de las canciones de  Ruben Blades dice: «La vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida»...; ¡y es verdad!. A veces la vida te da sorpresas que son maravillosas, y en otras ocasiones sorpresas que resultan tristes y desagradables; y, en ambos casos –como "sorpresas" que son– no te las esperas..., ¡te pillan desprevenido!.

Eso fue lo que me ocurrió a mi una madrugada de hace poco más de un mes: Estaba dormido y un inesperado e inoportuno "ictus" decidió visitarme a traición –¡una sorpresa!–; me llevaron a urgencias, estuve unos días ingresado –y muy mimado–, y ahora, ya en casa, me voy lentamente recuperando. Felizmente parece, según me dicen los médicos, que la recuperación va ser completa.

Calificaba antes al "ictus visitante" como inoportuno, porque justo llegó en mitad del proceso de elaboración y muy próxima presentación de la Web «CANCIÓN CON TODOS», que –como sabéis– será el punto de partida, o el arranque, del deseado Centro de la Canción de Autor.

En concreto, como ya conoceis, desde hace tiempo vengo anunciando que la presentación de la Web en Madrid, la tendríamos el próximo día DOS DE OCTUBRE (jueves) en el contexto de una fiesta abierta que celebraríamos en la SALA GALILEO.

El caso es que los médicos que han estado revisando esta semana el estado de mi salud, me han dado la buenísima noticia de que todo va bien; pero, a la vez, me han recomendado que atrase la presentación del día 2 de octubre, porque queda muy poco tiempo, y corro el riesgo de una posible recaída frente al diseño y la organización de un evento tan importante. Ellos me conocen, y saben lo nervioso que suelo ponerme en esas circunstancias.

Ante esa recomendación, después de pensarlo despacio –aquí mismo, en "mi atalaya"–, y aunque me ha costado decidirme, creo que los médicos tienen razón y he pensado en darle un giro a todos mis planes anteriores. Os cuento:

Lo primero que hice ayer fue llamar a Ángel, responsable de la Sala Galileo, para comunicarle la suspensión de la fiesta del día 2, y para que me diera otra posible fecha en el mes de noviembre en la que pudiéramos retomarla y celebrarla. Ángel, tras consultar su agenda, me ofreció el lunes 17 DE NOVIEMBRE y así hemos quedado: «LA FIESTA DE PRESENTACIÓN OFICIAL EN MADRID DE LA WEB "CANCIÓN CON TODOS" SERÁ EL 17 DE NOVIEMBRE EN LA SALA GALILEO».

Ahora bien, como yo había adquirido un compromiso –en particular con los Socios y Socias Fundadores–, de mostrar pronto los resultados de su apoyo y colaboración, ayer –tras volver a consultar a los médicos– decidí mantener una presentación, más reducida y más tranquila, el próximo 2 de octubre, para los "consocios" y las "consocias" que quieran y puedan asistir, y para algunas personas de los medios de comunicación que están especialmente interesados en la Web.

Hablé con Dani y Daniela de la sala La Fídula y, gracias a ellos, va a ser posible, y ya está confirmado, que «EL PRÓXIMO DÍA 2 DE OCUBRE  HAREMOS UNA PRESENTACIÓN DE LA WEB Y UN ENCUENTRO –FUNDAMENTALMENTE PARA LOS SOCIOS Y SOCIAS QUE HAYA EN ESE MOMENTO– EN LA SALA "LA FÍDULA".» (Ya iré dando más detalles sobre ese primer encuentro).

De cualquier forma la Web «CANCIÓN CON TODOS» no la colgaremos en la red hasta el día siguiente de su presentación oficial, es decir, a lo largo del día 18 de Noviembre.

Y para concluir este "cuelgue", me pide el cuerpo mostraros desde aquí –desde "mi atalaya"– algunas imágenes sobre como está quedando la Web. Os aseguro que cada día me siento más contento y satisfecho de ella y de sus contenidos, y, a la vez, más agradecido a Martín Acosta y a Juanlu Mora –y sus empresas– por el maravilloso trabajo de diseño y programación que están realizando.

La web, de momento tendrá los siguientes apartados:

Aquí os dejo unas imágenes correspondientes a algunos  los anteriores apartados de la Web:

AUTORES E INTÉRPRETES. CATÁLOGO

RECURSOS: BIBLIOTECA

RECURSOS: CANCIÓN Y LITERATURA

RECURSOS: PORTADAS DE DISCOS

RECURSOS: ÁLBUM FOTOGRÁFICO

SALAS

¿SE PUEDE –Y CÓMO– HABLAR DE GENERACIONES?... DISCOS RESCATADOS: «CANTAUTORES. LA NUEVA GENERACIÓN» (1997 y 1998).

Cuando uno se enfrenta al reto de reconstruir y fotografiar –que es igual que contar– la historia de nuestra Canción de Autor desde mediados de los años cincuenta a la actualidad –que son más de 60 años–, irremediablemente hay que hablar de "generaciones", o sea, de grupos de autores e intérpretes que protagonizaron momentos claves, y bien definidos, de esa historia.

Como sabéis yo, en este momento, estoy en la realización de ese intento; es decir, estoy trabajando– para la nueva Web «CANCIÓN CON TODOS»– en la reelaboración de la historia de nuestra "canción de autor" como género musical y como hecho cultural y social.

Pues bien, después de darle muchas vueltas y revueltas al tema; y recopilando todo lo que hasta aquí he escrito en años pasados, al final tengo muy claro que necesito y es necesario que al hablar de "canción de autor" hablemos –de momento– de TRES GENERACIONES para mí evidentemente claras en sí mismas. Claras no solamente respecto al "tiempo" en que se producen, sino sobre todo respecto a la identidad que cada una de ellas supo –o pudo– darle al "género" en tres claros momentos de nuestra historia contemporánea.

Estoy hablando de una primera generación que corresponde a los autores e intérpretes que emprendieron y desarrollaron su trabajo de creación y de comunicación entre mediados de los años cincuenta y la aprobación democrática de nuestra Constitución de 1978.

De una segunda generación compleja por el conflicto que se planteaba, a partir del 78, entre el referente de "canción de autor" ya creado –referente con una evidente carga política e ideológica–, y el nacimiento de unos "nuevo tiempos" en los que se necesitaban nuevos aires musicales, poéticos, de contenido y, a fin de cuentas, de libertad y de "arte" en el sentido más profundo. Generación de "cantautores y cantautoras" que fueron surgiendo en los años ochenta y noventa; y que le dieron un giro al propio concepto, o identidad, de la "canción de autor" tanto desde el punto de vista musical, como poético, e incluso social y político. Giro que por supuesto entendieron y supieron asumir e integrar muchos de los autores e intérpretes de la primera generación.

Por último, desde mi punto de vista, hay que hablar de una tercera generación, que claramente sitúo a partir del año 2000, que le vuelve a dar un nuevo giro al género y al concepto de la "canción de autor". Un giro que supone una evolución positiva –cada vez más abierta y de mayor diversidad– y que justo en este mismo momento está empezando a "cuajarse" o o definirse.

Dibujo publicado por Luis Eduardo Aute
en el libro "Pueblo que canta" (1983).

Valga todo lo anterior, por una parte, para haceros llegar la información de una de las líneas "maestras" por la que definitivamente se va a desarrollar la Web «CANCIÓN CON TODOS»; y para presentar la "recuperación" de dos discos históricos que –a finales de los noventa– pensó, preparó y editó la empresa discográfica "Fonomusic" –antigua Movieplay, madre acogedora del proyecto GONG que fue clave para los cantautores y cantautoras de la primera generación–.

Dos discos que se publicaron con el título de «CANTAUTORES. LA NUEVA GENERACIÓN», y que, en su primera entrega, su "productor ejecutivo", Valentín Ladrero, presentaba con estas palabras:

«Dieciséis nuevos nombres en un disco, dieciséis maneras distintas de contar cosas. Dieciséis voces desnudas que, al final del milenio, suenan limpias, artesanales como sus propias canciones. Es su primer acercamiento al mercado discográfico, el bautismo musical de estos jóvenes cantautores, entre nervios, dudas y muchas ganas de hacerse escuchar. Los hay innovadores, los hay cercanos a la tradición, los hay que buscan, los hay que encuentran. La mayoría de ellos se han dejado la piel muchas veces escribiendo y cantando en aquellos bares, cafés o garitos que programan habitualmente esta forma musical antigua como hermosa. Al otro lado, un público joven, muy joven, que pasa de mucha de la basura que se impone a los medios». (Valentín Ladrero).

Seguidamente os muestro las portadas y el repertorio de esos dos discos, y os invito a observar los cantautores que intervinieron y a pensar en la evolución de cada uno de ellos –si es que la ha habido–. Yo de momento solo quiero deciros, que todos ellos, y muchos más, son lo que en la nueva Web forman parte de la que yo ya no llamo "nueva", sino "segunda generación".

CD 1

• CARLOS CHAOUEN: Bosque Lejano y Loca.

•JOAQUÍN CALDERÓN; No mires al cielo nunca y El olor del aire.

• NEGHAR: Tal vez y Juegos de carbón.

• ALFONSO DEL VALLE: Entre tartas de café y En celofán.

• ANTONIO DE PINTO: Espantando palomas (Los globitos)  y Auxi va.

• LA OREJA UNIVERSAL: El enano y la botija y Sangre de princesa.

• PEDRO HERRERO: Solvencia de amor y Desde la ilusión.

• MÁXIMO: Carrusel y Volverte a ver.

CD2

• ANTONIO REY: Vanesa y Imaginé una vez.

• LOLA SANDOVAL: Un mercado de ruidos y Entre tus ojos.

• SERIGO SLEIMAN: En mi ciudad y Palabras mágicas.

• QUIQUE GONZÁLEZ: Ardiendo a un clavo y Romeo y Julieta.

• ROCÍO BONILLA: Ya viene.

• ALFREDO RUBIO: Una de princesas y Estar contigo.

• PABLITO: Entre charcos y Una rosa con espinas.

• RUBÉN BUREN:  Un grupiillo d'esos y El romance del hombre polla.

CD 1:
• MATÍAS ÁVALOS: A botes y Canción de la pereza.
• LUIS FELIPE BARRIO: Virgen del Carmen y Buenos días.
• ANTONIO DE PINTO: Ventanas y Vive mi amor.
• JEREMIAH JOHSOM (VÍCTOR ALCALDE): Guardasolak reggae Y Ojalá que nieve.
• AGUSTÍN RAMOS: En esta ciudad y Ana.
• TOLI MORILLA: Orgullo y pasión y Este trago.
• AITOR: El don de la duda.
• CÉSAR RODRÍGUEZ:  Pensarán y De barrio.
• BEATRIZ MARTÍN: Te prometo y Creo en ti.

CD 2:
• CHICO PAREDES: Mi dulce quimera y En la calle.
• ISRAEL JIMÉNEZ: Lo pequeño que soy y Cuentos de ciudad.
• RAFA MORA y EVA CHAMIZO: Entre gesto y gesto y Qué bonita está la vida.
• OSCAR MONTILLA: No tengo nada y A ningún lugar.
• ANDRÉS SUDÓN: Esternón.
• CRISTINA:  Soy dueña de mi vida.
• JOAQUÍN CALDERÓN: La noche y Momentos.
• EL SIGUIENTE (IGNACIO UGARTE): Viva Groucho Presidente y Gente y su lado oscuro.
• CARLO COLINO: Mi guerra y Palabras.
• ANTONIO REY (ANTONIO M. DOMÍNGUEZ): Y qué y Detrás.

CON QUINTÍN CABRERA: SEIS SECUENCIAS FOTOGRÁFICAS INOLVIDABLES.

Como sabéis estamos iniciando el proceso de incorporar "contenidos" a la nueva Web «CANCIÓN CON TODOS». Vamos a incorporar, inicialmente, unos contenidos básicos que serán los que presentaremos el próximo día 2 de octubre en la Sala Galileo, y los que, a partir de ahí, abriremos a la red en cuanto sea posible.

Entre esos contenidos la Web tiene un apartado dedicado a lo que vamos a llamar "Álbum fotográfico" en el que vamos a incorporar una amplia colección de fotografías –la mayoría, de momento, de mi archivo personal– que en realidad cuentan la historia de nuestra "canción de autor" y que nos permiten que la "memoria esté viva" y no la destruya el "olvido".

Bien, pues ayer, buscando y seleccionando fotografías para esa sección de la Web, me encontré un montón de ellas en las que aparece el cantautor uruguayo-español-internacional QUINTÍN CABRERA –que lamentablemente nos dejó en el año 2009–. Entre esas fotos, en concreto, algunas de las últimas que se hizo –o se dejó hacer– antes morir. Son fotografías tomadas durante la grabación y las presentaciones de su último disco "Naufragios y palimpsestos".

"Naugragios y palimpsestos", lo grabamos en los estudios Kata de Madrid a final de 2008 y yo tuve el placer de producirlo. 

Fue el último disco grabado por Quintín eatando a la espera de un posible transplante de pulmon, que, al final pudo hacerse, pero que, desgraciadamente, no dio resultad.

Grabamos el disco, lo presentamos en la Sociedad General de Autores de Madrid –junto con los otros discos de la colección EL CANTO EMIGRADO DE AMÉRICA LATINA– y después –con el apoyo incondicional de Marina Rossell– me fui con Quintín y su compañera a Barcelona, para presentar el disco allí y en realidad para darle un abrazo grande y solidario de todos los amigos que tiene en Barcelona, ¡que son muchísimos!

Y no me enrollo más, vamos a las fotografías. Sé que han aparecido antes en el blog, pero una vez incorporadas a la nueva Web, quiero compartirlas de nuevo, y juntas, con todos vosotros y vosotras.

En uno de los paréntesis realizados durante la grabación del disco;
Fernando G. Lucini, Olga Manzano, Quintín y Luis Toledo Sande
que en aquel momento era Consejero Cultural de la Embajada
de Cuba en España.. (Fotografía de Juan Miguel Morales).

Quintín Cabrera grabando junto con Eliso Parra,
que fue el arreglista del disco. 
(Fotografía de Juan Miguel Morales).

Presentación del libro y los discos de la colección
EL CANTO EMIGRADO DE AMÉRICA LATINA
en el salón Manuel de Falla de la SGAE de Madrid.
En el centro y como si estuviéramos en el trono Quintín y yo,
ambos en lista de espera de transplantes.
Hay muchos más amigos y amigas, Bergia, Gonzalo García Pelayo,
Claudina y Alberto, Olga Manzano, Tacún, Gonzalo Rey,
Carlos Montero, Antonio Gómez, Marina Rossell, Caco Senante,
Nagot y Tabaré –hijos de Olga y de Manuel Picón–... 

Ya en la SGAE de  Barcelona hicimos la presentación
del disco. En la mesa de izquierda a derecha Marina Rossell,
Fernando G. Lucini, el amigo Quintín y Ramón Muntaner 
cantautor y delegado de la SGAE en Cataluña.
(Fotografía de Juan Miguel Morales).

¡Inolvidable!... ¡Secillamente inovidable!

Foto de familia en la que aparecen algunos de los amigos de Quintín
que participamos en la presentación-homenaje: 
Jaume Arnella, Lluís Marrasé, Miquel Pujadó, Jordi Fábregas, Ton Rulló, 
Fernando G. Lucini, Joan Isaac, Marina Rossell, Ramón Muntaner, 
Joan Lluis Parra, Josep Tero, Jordi Rouca
y Oriol Tranvia. (Fotografía de Juan Miguel Morales).
AHÍ ESTABA: "QUINTÍN CABRERA, ¡EL BIEN QUERIDO!"